曹郁、Tim開講電影攝影公開課，這個時代更需要你成為好的攝影師

4月19日，第十六屆北京國際電影節電影公開課首場活動開講。知名攝影指導曹郁與“影視颶風”創始人潘天鴻（Tim）同臺展開對談，圍繞拍攝經驗、個人風格的形成以及智能時代帶來的行業變化等話題深入交流，回應了當下影視創作者普遍關心的創作路徑、技術選擇與行業趨勢等問題。

“電影感”從何而來？

面對“什么是寫實，什么是詩意”這一問題，曹郁給出了相當明確的回應：“寫實，其實就是一個經過提煉的真實；詩意，是帶著個人情感和態度的一種真實。”在他看來，電影攝影從來不是對現實的直接復制，而是在判斷與選擇中建立起一種屬于創作者的“真實感”。在他看來，光線是電影攝影最靈魂的部分，他也將“光的來源性”視為攝影的重要基礎。光從哪里來、為何存在，成為構建影像可信度的關鍵。

談及具體拍攝方法，曹郁反復強調“提前的功夫”。“拍攝可能是即興的，但光線可能在一個月以前就想好了”，影調等光線設計的大方向，往往在開拍前便已確立，攝影師需要在腦海中預先完成影像的構建，而現場更多是執行與微調。同時，在《可可西里》等作品中積累的經驗，也讓他逐漸形成了創作的信心。當拍攝條件有限時，曹郁從習慣“控制”光，轉向“選擇”，將現實的條件、自然環境，有機地融入到自己的拍攝當中。談及很多創作者所關心的機位、鏡頭、畫幅等具體的選擇，在曹郁看來，最終都回到一個標準：是否真正服務于故事本身。

在談到“電影感”時，Tim從另一種創作語境出發，指出在自媒體影像中，觀眾往往更關注清晰度與信息傳達，小屏觀看也在一定程度上壓縮了風格表達的空間；相比之下，電影由于依托劇本與銀幕環境，反而更容易讓觀眾忽略技術本身，而沉浸于整體敘事之中。

于經驗積累中形成“作者性”

如果說技術問題關乎“如何拍”，那么關于個人風格的討論，則進一步指向“為何這樣拍”。在對談中，Tim將這一問題歸結為“作者性”，體現在創作者如何用自身的全部經驗參與影像表達。

曹郁以自身創作為線索，回溯了風格逐步形成的過程。從早期拍攝的影像練習開始，構圖與色彩意識已經隱約顯現；在《可可西里》中，他在有限條件下通過取景與構圖建立起影像的信心；到了《南京！南京！》，則通過肩扛攝影與焦距變化，讓觀眾獲得更強的代入感；而在《八佰》中，他對色彩的控制有了更進一步的認識；再到《解密》，他開始更注重使用主觀的光線來展示人物心理。

這些不斷變化的選擇，并未形成某種固定的方法論，卻逐漸沉淀為一種穩定的視覺判斷。曹郁也特別強調，風格并不是刻意追求的結果，而是基于個人的全部的生命歷程，是在長期實踐中積累生成的表達方式。同時，電影作為高度協作的藝術，攝影師也始終處在與導演及各部門的合作之中，信任與默契，成為影像最終成立的重要前提。

Tim也分享了自媒體創作中的現實經驗。他提到，團隊曾嘗試更強烈的風格化表達，但觀眾反饋卻認為“距離感太強”。在以數據反饋為導向的內容環境中，風格往往需要在表達與接受之間不斷調整，這也讓創作者必須直面審美投入與傳播效果之間的關系。

在AI時代重新理解“人”的價值

延續對不同敘事媒介差異的討論，在談及當下最受關注的AI問題時，兩位嘉賓的交流進一步從創作實踐延伸至更廣泛的行業變化。Tim結合自身經驗指出，AI正在改變觀眾對影像的判斷標準。有時候，當畫面質感過于“完美”時，反而容易被懷疑為AI生成，這種不確定性正在影響觀眾的信任，也在重新塑造內容生產的邏輯。

曹郁認為AI確實會在一定程度上替代具體的技術環節，但影像中最核心的部分，他將其概括為“攝影師的靈魂”，是不會消亡的。技術可以被學習與復制，但創作者的生命經驗與審美積累，仍然構成作品中最難以替代的部分。

兩位嘉賓也不約而同地提到，在技術門檻不斷降低的當下，“作者性”反而變得更加重要。對于創作者而言，如何提出問題、如何做出選擇、如何形成屬于自己的表達，成為比掌握工具更關鍵的能力。與其將AI視為威脅，不如在理解與使用中重新確認創作的價值所在。正如曹郁所說：“這個時代更需要你成為好的攝影師”，當技術不斷演進，真正重要的仍然是創作者自身的判斷與積累；而在Tim看來，“AI時代是留給有熱情的人的”，當工具趨于普及，持續學習、攝入信息、參與創作的熱情，反而成為最稀缺的能力。影像的未來，仍然掌握在創作者手中。

文/北京青年報記者 肖揚

編輯/劉忠禹