6000字深度拆解《狂野時代》！

文/ 小魚陪拉片 藍羽生

為什么《狂野時代》要采用六個故事章節的結構？

影片以視覺、聽覺、味覺、嗅覺、觸覺這五感+意識的維度作為章節劃分的核心依據。

問題1：這六個章節分別講述了怎樣的具體故事？

問題2：每個“感官”維度在敘事中各自承載著什么深層象征意義？

問題3：貫穿全片的意象符號（如蠟燭），又藏著哪些隱喻內涵？

如果你看完《狂野時代》后也有這些困惑。

那么這篇文章千萬不要錯過！

因為，它能幫你深化對影片的理解！

接下來我將按照影片的篇章順序，依次詳細拆解六大感官篇章中的電影史細節與隱喻，從專業視角硬核還原《狂野時代》的真實內核！

（友情提示：內容較長，建議耐心閱讀）

—— 五感+意識

“視覺、聽覺、味覺、嗅覺、觸覺與意識”感官體驗的精巧結構，以“五種感官”作為內在體驗線索，編織“六個章節”的百年電影幻夢。

這種前所未有的觀影方式，畢贛導演是基于佛教中的“六識”——“眼識、耳識、鼻識、舌識、身識、意識”。

“六識”就是認知的過程，也就是說，畢贛導演希望觀眾能夠以“六根清凈”的觀影狀態，用“五個感官”去切身感受電影的魅力，去感受易烊千璽、舒淇的精彩表演，去感受畢贛導演的作者表達，以及五感被完全打開的奇妙體驗。

影片開篇便打破第四面墻：銀幕內的觀眾與現實中的我們實現歷史隔空對望，舒淇飾演的“大她者”角色舉起達蓋爾銀版照相機，為銀幕外的我們拍下合影。

這一設計傳遞出導演最核心的創作理念：一場電影的靈魂，從來不是電影本身，而是觀眾。

Part 01 視覺篇

作為開篇的視覺章節，直接奠定了整部影片的核心基調。

這是一部關于“電影”的電影。

易烊千璽一人分飾五角的“迷魂者”、舒淇飾演的“大她者”，正是理解這部夢境詩篇的核心密鑰。

“迷魂者”：串聯百年影史意象的載體，在不同時代化身不同角色。

他在視覺篇是默片時代的怪物，聽覺篇是諜戰時代的囚徒，味覺篇是中式古風的還俗僧人，嗅覺篇是現代時期的騙術大叔，觸覺篇是千禧時代的古惑仔。

“大她者”：夢境的開啟者、觀察者與觀眾引路人。

她或以真身出鏡、或以旁白敘事，串聯起“迷魂者”的六個章節故事。

在拉康理論的哲學語境中。

“大她者”象征秩序、法則與語言的賦予者，是類似母親角色的“原初大他者”。

在《狂野時代》的元電影隱喻里。

她既是電影創作者與攝影機的化身，也是造夢機制本身。

視覺篇以清朝末年為時代背景，泛黃的4:3畫幅、密集的字幕卡、染色的膠片，以及演員豐富的表情與肢體語言，無一不是對默片時代早期電影形態的致敬。

?“大她者”在薩爾瓦多達利的“眼睛”里，發現了“迷魂者”怪物化身的蹤跡。

? 她進入到“微縮模型”鴉片館，“一只大手”多次對微縮場景進行局部調整。在沒有后期特效的無聲默片時代，“手工”微縮模型拍攝，在電影史上的首次運用，是1902年法國導演喬治梅里愛的《月球旅行記》。

? 《月球旅行記》這部科幻短片，也被視為電影史上第一部科幻片。

? 類似手法還見于卓別林《淘金記》的懸崖小木屋、《摩登時代》的商場滑冰場景。

? 在尋找“迷魂者”的段落，致敬了我國非遺戲劇項目“皮影戲”。

? 井蓋上鮮花轉動化作骷髏的設計，既致敬早期動畫裝置“費那奇鏡”，又以“鮮花（贊譽名利）”與“鴉片（欲望沉迷）”隱喻部分創作者初心在名利中迷失。

? “月亮臉”道具再次呼應《月球旅行記》，扭曲布景與高對比度光影則致敬德國表現主義代表作《卡里加里博士的小屋》。

當“大她者”掏空“迷魂者”背脊的鮮花（發現內置早期放映裝置），放入膠片后場景切換至草地，二人復刻盧米埃爾1895年《水澆園丁》的經典橋段——膠片取代鮮花、紅色鮮花變純白小花，暗喻創作者從追逐名利回歸藝術本心。

Part 02 聽覺篇

“聽覺篇”作為承接“視覺篇”的第二篇章，畫幅從方正的4:3切換至1.37:1的國際標準學院比例。

落幕中，它開啟了寫實敘事的轉向，象征著從無聲電影到有聲電影的技術變革與時代陣痛。

聲音，正是這一篇章的核心元素。

復古的字幕卡被人物的有聲旁白與對白取代，每一幀影像都被賦予了具象化的聽覺音效與配樂。

時代背景來到20世紀40年代，充滿黑色電影和諜戰片風格的民國時期。

“迷魂者”從怪物化身為美少年邱默云。他與趙又廷飾演的長官，形成了似敵似友的緊張關系。

故事圍繞一個各方勢力都想尋找的“神秘箱子”展開，長官對邱默云施行了殘酷的拷問與多次對峙，最終長官刺穿雙耳，只為“聽見”迷魂者的聲音。

兩人之間最核心的紐帶，依然也是篇章核心的“聲音”。

長官以自毀的方式追尋“真聲”、追尋“真相”，是本篇章中最為觸目驚心的情節。

從有聲世界的白噪音，到無聲世界的一片死寂，聽覺體驗的不同轉換，讓觀眾也跟著屏住了呼吸。

畢贛導演在這一章節大膽地調動觀眾的聽覺感官。

無論是蒸汽火車的汽笛聲，威壓拷打的鞭刑聲，還是子彈擊破鏡子的碎裂聲，甚至是模仿耳聾的真空聲，營造出緊張懸疑氛圍的同時，也讓觀眾切身感受角色在聽覺世界的迷失與變化。

鏡子作為本篇章的關鍵意象，多次以“汽車后視鏡、招牌文字、實體鏡面”出現，既隱喻無聲與有聲時代的對照，也承載著電影作者理念的投射與觀眾情感的共鳴。

邱默云與長官在“鏡子鋪”的對峙，是對1947年奧遜·威爾斯《上海小姐》中“鏡子迷宮槍戰”的致敬；

“鏡子”同時也是邱默云與長官，一體兩面、互為鏡像的隱喻。

邱默云是擁有秘密的美少年，帶著破碎感和暗黑氣質，他迷戀于箱子發出的特定聲音，沉浸于感官的極致體驗。

長官是擁有權力充滿威壓的審訊者，但他追求的卻是絕對的“靜默”，通過摒棄感官來追求超脫。

雖然他們對待“聽覺”是兩種極端的態度，但是他們也共同分享著某種孤獨。某種對絕對真實的渴望。

長官破譯情報的橋段中，“箱子”成為希區柯克式的麥格芬（推動劇情卻未必核心的物件），攝影技法上也致敬了經典的“希區柯克變焦”。

后續出現的樂譜，是巴赫巴洛克時期的宗教聲樂作品《來吧，甜蜜的死亡》（BWV478）。

這首樂曲表達的是對死亡的超脫式渴望，反映了路德宗神學思想。

邱默云打開“箱子”，里面是“一架特雷門琴”。

特雷門琴，由前蘇聯物理學家利夫特爾門于1919年發明。是世界上第一件電子樂器，也是世界上唯一不需要身體接觸的電子樂器。

40、50年代被好萊塢電影廣泛應用，尤其是驚悚的恐怖片。美劇《生活大爆炸》第4季第12集中，謝耳朵也曾在劇中演奏過特雷門琴。

“燃燒的大樹”、列車上邱默云與長官的“玉石俱焚”，可以看做是一種通感聯覺的藝術手法。火焰噼啪作響的聽覺細節，強化了視覺奇觀的沖擊力，讓抽象的聽覺體驗變得可見、可感，甚至帶有溫度與破壞力。

從影史維度看，有聲技術的誕生曾給電影界帶來巨大沖擊與爭議，仿佛一場“大火”。

所以，“燃燒的樹”或許也是對那段影史變革的某種隱喻，象征著傳統電影形式的“燃為灰燼”與新生媒體“浴火而生”的萌芽。

Part 03味覺篇

第三章節“味覺篇”是全片最具東方禪意與辛辣諷刺的篇章。

20世紀60年代，風雪孤廟的獨特意境中，“迷魂者”化身為了一個還俗的小和尚。他協助盜匪偷運寺廟里的佛像，并在一個風雪交加的夜晚留宿破廟。

劇烈的牙痛折磨著他，這時候《路邊野餐》主演陳永忠飾演的“苦妖”出現了。

“苦妖”并非外在的威脅，而是小和尚內心愧疚感的具象化身。通過兩人的對話，以及“苦妖”就是小和尚“父親的形象”，觀眾可以拼湊出小和尚一段隱秘的過往。

——他曾親手用發芽的土豆，毒死了身患狂犬病、痛苦不堪的父親。

“迷魂者”這個“悔恨的兒子”，在“弒父”的精神崩潰中嘗盡世間至苦，最終在苦澀中感悟生命，重生為“狗”，完成救贖與蛻變。

所以，“味覺”在此遠不止生理苦澀，是心理負擔，更是難以釋懷的罪孽感在味蕾上的投射。

小和尚聽從了“苦妖”的建議，用“最苦的石頭”把牙敲掉。這個充滿痛感的舉動，既是對身體痛苦的終結，也象征著他試圖通過肉體的懲罰，來獲得心靈的解脫。

雪地里拼出的“甘、苦”二字，與苦妖在水缸浮萍上寫下的“甘、苦”形成視覺對位，既點題“味覺”，更將“苦盡甘來”的東方辯證思維具象化，暗示味覺體驗與人生經歷的深層關聯。

除禪意外，篇章還暗藏對電影與觀眾關系的思考，及對商業片的尖銳諷刺：

? 盜匪罵小和尚“小狗日的”，看似針對角色，實則暗諷某些電影作者與作品；

? 缺失“單人旁”的“佛”字，在本篇章出現一次中景鏡頭，一次特寫鏡頭。“佛”字去掉偏旁，像極了美元符號“$”。

諷刺的是，當電影“不再以人為本”，電影創作脫離了大眾群體，不再講“人間”的故事，淪為了“商業牟利的生意”。

那么這種電影，就和“發芽的土豆”一樣，是有毒的。而生產這種電影的人，就像小和尚用“土豆下毒”一樣，他們也是知道這種電影，是有毒的。

“苦妖”的臺詞，“佛祖制定戒律之前，還不知道什么是尼古丁”。

小和尚的臺詞，“我在這座廟的時候，還沒有這尊佛”。

兩句臺詞對照，諷刺意味拉滿。電影的誕生，最初是為了人們的精神滿足，而在電影技術迭代革新中，某些電影似乎演變成了某種“精神上的鴉片”。

利字當頭，藝術為下，蠶食著觀眾的審美品位和獨立思考。

所以“味覺”篇章結尾，一條黑狗走出寺廟后，就傳來了“被打死”哀鳴聲。除了“留白”的美學意境，只可意會不可言傳的畫外之意，就留給觀眾去“品味”了。

Part 04 嗅覺篇

第四章節“嗅覺篇”將背景置于上世紀80年代，以“氣味”這一無形卻極具穿透力的感官為線索，講述了一段關于記憶、創傷與溫情的故事。

迷魂者化身成滄桑沉穩、嗓音渾厚的中年人。

他身著極具時代特色的黑皮夾克，在車站的場景中，以坑蒙拐騙為生。且和一位“失孤”的小女孩，組成“假父女”的搭檔。他們利用所謂的“特異功能”，也就是“嗅覺識牌”的騙術，進行表演來賺錢。

這里的“嗅覺”騙術，與上一個篇章結尾“重生為狗”緊密相連。“迷魂者”憑借“狗”的敏銳嗅覺，與小女孩招搖撞騙，在市井煙火與騙局迷霧中，折射出人們對財富的渴望與良心的拷問。

本篇章出現了“意念掰勺、意念移物、紙牌戲法”等充滿市井氣息的橋段。

但是故事的核心卻不在于此。

而是用嗅覺與撲克牌、灰燼的信件等視覺符號，進行意象關聯，用“通感聯覺”的手法打破傳統的敘事邏輯，引導觀眾用身體的直接經驗去感受電影的真正表達。

就像我們生活中，偶然聞到一種熟悉的味道，腦海里就會自然浮現，與這種味道相關的記憶。

所以，本篇章中的核心謎題，“人身上丟失了什么東西永遠也找不回來”的謎底……

是臭屁！

——為什么是“臭屁”呢？

因為“臭屁”。

它是一種“嗅覺”的氣味，也是“昔日難追”的象征，一旦排出體內便消散在空氣中。

雖然“氣味”像一把“鑰匙”，可以打開記憶匣子的深情回溯。但是時過境遷，物不是人也非，留下的只有附著在“氣味”中，最深刻的記憶與最沉重的情感。

特異功能、魔術手法，同時也是電影隱喻手法的“障眼法”，思想內核較為接近諾蘭導演的《致命魔術》。

而破解魔術的秘密，也就如同深度拆解一部電影里意象手法之下，隱藏的真正含義和表達。

這也是觀眾觀看一部電影的一大樂趣所在。

Part 05 觸覺篇

第五章節“觸覺篇”，是本片敘事最為完整，也是畢贛導演在感官探索之旅中最為濃烈和具象的篇章。

千禧年前夕，20世紀最后一天的時代背景，暖紅色“危險且浪漫”的濾鏡，瞬間將觀眾的記憶拉回90年代的文藝港片。

“迷魂者”化身為一個黃毛古惑仔，與李庚希飾演的朋克風吸血鬼少女邂逅。

在“世界末日”的氛圍下，兩人于雨中奔跑、宣泄，通過肢體觸碰與肌膚之親，表達出時代的迷茫與遺憾。

整個篇章，畢贛導演用他標志性的手持長鏡頭，跟隨著這對少男少女，從河畔的石板路，穿過狹窄過道的紅燈區，走進燈紅酒綠的“日出歌廳”，最后回到河畔、登上貨船。

完成了難度極大的、酣暢淋漓的、長達37分鐘的一鏡到底。

畢贛導演選擇用超長鏡頭來呈現“觸覺”，我認為這本身就是一種天才的電影化表達。

這種不間斷的、呼吸般的影像流動，讓觀眾無法抽離，仿佛親身跟隨角色在場景中穿梭。模擬出一種持續的、無法中斷的“觸碰感”，讓觀眾不再局外的旁觀者，而是與角色一同體驗每一種“觸感”的親身參與者。

觸摸到“牙齒咬下青蘋果的脆感”，觸摸到“淅瀝小雨的濕感”，觸摸到“歌廳蹦迪的暢感”，觸摸到“貨輪舵盤的掌控感”。

這種“觸覺”，又從肌膚之親，升華為連接孤獨靈魂、甚至是直面生死的一種精神共振。

李庚希“吸血鬼”角色的設定，其實就是電影本體的象征，就像吸血鬼依賴人血維持生命一樣，電影藝術也依賴觀眾的注視與情感投入等“迷影情結”才能存續。

而她這個人物身上，還有很多細節。

她上衣上“紫荊花”的圖案，黃覺飾演角色“羅先生”，以及“羅先生”演唱的歌曲《小李飛刀》，都代表著這是獨屬于港片情懷的篇章。

“邰肇玫”的假名，也是符合千禧年網絡迅速發展，人們慣用網名自稱的時代習慣，“邰肇玫”的黑膠唱片，以及李庚希演唱的歌曲《玉蘭花》，其實都是畢贛導演借“邰肇玫”之名的自我表達。

邰肇玫，是一名中國臺灣女歌手。

她從大學時期，就開始寫自己的歌、唱自己的歌，并把自己的一些對于家庭、對于生活的理念，寫進歌曲里。

這和畢贛導演，寫自己的劇本，導自己的電影，把自己的創作表達，埋進電影的鏡頭里，是同出一轍。

而在篇章臨濟結尾處，延時攝影的露天電影橋段，放映的則是1895年原版的默片《水澆園丁》，與第一篇章“視覺”，互文呼應。

Part 05 意識篇

最終篇章“意識篇”，“大她者”再次出現，她為“迷魂者”穿戴上“怪物”的特效化妝。巧妙地與“視覺篇”，形成了閉環結構。

故事的開始，是“大她者”為“迷魂者”裝上膠片，啟動電影長河的夢境。

故事的結尾，是當“視覺、聽覺、味覺、嗅覺、觸覺”五種感官的夢境，在逐一體驗完畢后，膠卷轉動完畢，夢境也隨之終結。

但這個結尾，充滿了雙重意味。

一方面，預示著一段旅程的結束，“迷魂者”的生命走到了盡頭，感官全部關閉，意識也隨著虛無消散。

另一方面，又暗示著一個“死亡與新生”的循環開始。影片的英文片《Resurrection》，復活、復興的意思，也正是點題于此。

畢贛導演將“凄美感”，在最后劇終的“蠟燭影劇院”中推向了極致。

影劇院蠟燭融化，發光的觀眾灰燼消散。像是一場電影結束，影廳“人走茶涼”的失落冷寂；像是貫穿全片“蠟燭”符號意象，電影作者燃燒才華，點亮溫暖觀眾，留下永恒的記憶；又像是“人死之后，會去電影院，來回顧自己的一生，再活一次”，將電影院比作靈魂歸宿之地的樂觀寄望。

——作為觀眾的我們

觀看《狂野時代》，就像是觀看了一部濃縮的電影史。

所以，“迷魂者”不僅是電影作者，更是坐在大銀幕前的每一個觀眾。

我們如同“迷魂者”一樣，在電影世界的夢境中經歷悲歡離合，體驗百味人生，生命也被延長了一百年。

電影結束，燈光亮起，也如同一次夢醒時分。

而我們，帶著影片留下的情感痕跡，回歸到現實生活。

總結而言。

《狂野時代》這部藝術電影，注定是華語電影難得且重要的一部偉大佳作。

它是一曲對電影藝術本身的深情挽歌，也是一封對電影藝術本身的告白情書，更是一次對生命與存在本質，哲思的、詩意的回望與探索。

影片中藏著無數值得反復揣摩的深層底蘊與細節隱喻，而對于熱愛電影的“我們”來說，這些散落在鏡頭里的秘密，恰是觀影體驗中最珍貴的饋贈。