周杰倫身陷抄襲風波，鑒抄博主在“鑒”什么？

周杰倫也被“空耳鑒抄”了。

近期，周杰倫接連陷入多首作品涉嫌抄襲的爭議風波，有網友通過剪輯旋律對比片段，指出《雙截棍》《Mojito》《晴天》等多首經典曲目與部分國外老歌高度相似，相關質疑迅速在網絡發酵。

大批博主也迅速跟進化身鑒抄人士，他們往往只截取兩首歌曲2-4小節的相似片段進行拼接比對，結合故作深意的表情，流量已經風生水起，動輒播放量、點贊量破萬，“抄襲”的帽子已經扣上了。

那么，鑒抄視頻流行的背后，是否真的能代表一種對音樂創作的公正審視，經得起專業推敲？真正的抄襲與否，又該以何種標準去鑒別？

周杰倫身陷“空耳鑒抄”風暴

這類鑒抄視頻能快速出圈，本質是吃透了平臺傳播邏輯，每一步操作都精準踩在大眾情緒與算法偏好上。

仔細來看，其套路十分清晰，通過片段化截取，刻意無視作品整體，以靠制造獵奇收割流量。視頻標題動輒用“實錘抄襲”、“天王塌房”等刺激性字眼博眼球，精準拿捏了大眾圍觀名人跌落神壇的心理，也順便拿捏了算法。

拋開情緒煽動與流量套路，回歸專業層面拆解，針對周杰倫的這輪“抄襲雷同”質疑，可分為使用音色庫采樣、和弦走向類似、旋律巧合三類情況。結論也十分明確，這些被指涉嫌抄襲的作品，沒有一例能從專業角度被蓋棺定論為抄襲。

首先是采樣一類。比如被鑒抄博主例舉的《雙刀》《麥芽糖》《以父之名》，其實均來自音樂軟件公司Spectrasonics1990年代推出的音源庫《Heart of Asia》中的藏族女聲吟唱、索尼2003年Avid Pro配套免版稅Loop音源庫。這些都屬于音樂創作通用的預制循環樂段/音效，正規免版稅素材庫可直接商用、二次改編，無需標注版權，全球音樂人普遍使用。

第二類情況，是只拎出作品里和弦分解等缺乏獨創性的局部元素，完全無視整首作品的整體表達。比如有人拿《晴天》和ELLEGARDEN的《花》對比，或者拿《雙截棍》和小怪獸樂隊的《Guerrilla Radio》對比幾秒，就草率地下“抄襲”結論。

但問題在于，只有和聲部分具有獨特的旋律編排、和聲設計或創造性表達，而非簡單的重復或常規伴奏，才可能被視為獨立作品。例如，Queen的《Bohemian Rhapsody》中復雜的和聲編排，被認為單獨使用需授權。

但在大多數流行歌曲里，簡單的和聲進行、伴奏型、分解和弦，本來就更接近編曲語言或通用音樂素材，很多時候并不具備足夠的獨創性，通常也難以作為獨立版權意義上的核心表達。這些沒有獨創性的元素，就蓋棺定論的話，相當于拿兩張人的眉毛特寫說長得一樣，大部分網友說抄襲，完全有可能是根本沒有聽完全曲下的結論。

第三類是詬病最深的旋律相似。以《Mojito》抄襲《美少女戰士》的主題曲《月光傳說》傳說為例，經音樂先聲查證，《月光傳說》的原曲根本不是某鑒抄博主比對呈現的那樣，視頻中的音頻明顯是被后期惡意改成了與《Mojito》相似的版本，可謂用心險惡。

其實，稍微懂點樂理的人，只需要簡單的扒譜兩版作品，就會發現最相像的部分可能就是開頭前四個音，除了這部分，其余的地方完全不一樣。而局部幾個音的巧合，根本無法構成抄襲判定的依據，如果非得要硬著頭皮往抄上扯，倒不如說他們都抄了貝多芬《悲愴》第三樂章…..

《月光傳說》：3613322172

《Mojito》：3613212176716

再如像《千山萬水》抄襲久石讓的《The wind of life》，還是取最相像的部分，二者的旋律細節也存在明顯差異。

《千山萬水》：511554 22343 112332 67152 511554 22343 112363 45121

《The wind of life》：513554 02343 123576 513554 02343 123174#

此外，基礎創作要素的相近和曲風范式上的趨同，本身也是造成旋律聽感相似的重要原因。比如《牛仔很忙》曾被指與美國民謠《My Sweetheart in Tennessee》相似。客觀來看，在相同或相近的曲風范式下，雖然兩首作品即便一首是6/8拍、另一首是4/4拍，基礎節拍并不相同，整體聽感上仍然可能呈現出一定程度的相似性。

但值得注意的是，《My Sweetheart in Tennessee》的版本最早可以追溯至1918年，而原作者Leo Friedman也已于1927年去世，其作品相關權利早已進入公有領域。在這種情況下，如果僅憑風格接近或聽感相似，就直接將其定性為“抄襲”，顯然也是站不住腳的。

音樂創作中的抄襲認定，尤其是在“實質性相似”的判斷層面，從來都離不開對作品整體獨創性的綜合考量，也不能無視采樣、公共素材借鑒在流行音樂創作中的普遍存在。

以李宇春《無價之姐》終審勝訴為例，北京知識產權法院在終審中認定，《無價之姐》與《跟我出發》不構成實質性相似。這里所說的“實質性相似”，正是著作權侵權判定中常見的標準之一，即通常所說的“接觸可能性”與“實質性相似”相結合的判斷路徑。

其中，“接觸”相對更易理解，主要是指被控侵權方是否存在接觸著作權人作品的可能，例如相關作品是否已經公開傳播、是否具備可獲取性等。但相較之下，“實質性相似”的認定并不存在一套機械、統一的公式，而是需要結合具體個案，對音樂作品進行綜合判斷。

所以，音樂作品是否構成抄襲，往往不能憑借局部雷同草率下結論。兩部作品即便在若干小節上出現相同或近似，如果這些小節在后面的作品中從屬于一個更長的樂句，且在整體結構、情緒推進和音樂形象塑造中的作用已經發生變化，那么它與在先作品之間，也可能呈現出截然不同的表達效果，但不是抄襲。

慶幸的是，隨著不少專業音樂博主下場科普、厘清創作邏輯，此前大肆傳播不實對比的部分鑒抄博主，已陸續刪除了相關誤導性作品。

僅憑空耳鑒抄，全球樂壇都得完蛋

做個極端假設，如果只要幾小節旋律、和弦或者風格有點近似，那就是“抄襲”，按照某些空耳鑒抄博主這個嚴苛又外行的尺度評判，可能全球樂壇都得完蛋。

比如，陶喆《愛很簡單》就會抄襲Klymaxx《I Miss You》，林俊杰的《我還想她》抄襲蔡淳佳的《好好愛她》，Dua Lipa的《Levitating》也是抄襲羅志祥和小S的《狐貍精》，汪蘇瀧《年輪》抄襲的是江語晨的《最后一頁》，甚至古早神曲《斯琴高麗的傷心》最后一句也是抄襲動漫版《西游記》片尾曲《白龍馬》。

投機采用這套思路做鑒抄視頻的話，可能素材庫這輩子都用之不竭。

再進一步，把風格相近、和弦進行類似也劃入抄襲范疇，那么李榮浩的《烏梅子醬》抄襲的就是周杰倫的《浪漫手機》，《不遺憾》抄的就是胡夏的《那些年》。

再夸張點，按這個標準無限推演，像京劇這種傳統聲樂體裁，本身就是建立在固定調式與唱法上的藝術形式那可能也難逃污蔑，京劇西皮、二黃之類幾種基本聲腔反復變化，唱腔與旋律套路共享，這是幾百年形成的文化傳統。用評判抄襲的標準去衡量藝術的程式化，本身就是一場荒謬的審判。

同理，布魯斯等音樂風格本身就自帶高度統一的共性創作元素，若連風格內的常規創作邏輯都被判定為抄襲，那全世界范圍內便再無真正的原創作品可言。

站在一個業務能力在線的創作者的角度來看，有時候抄襲往往會更麻煩，甚至比寫一首原創作品更累。特別對于已經有一定聲量的創作者來說，原創是順向本能，刻意抄襲才是逆向折磨。

比如周杰倫“10天50首歌”的出道考驗，吳青峰十分鐘完成《小情歌》，林俊杰3分鐘寫出《星空下的吻》，反過來，如果要“抄襲”一首歌，反而得先去扒帶，聽準每一個和弦的轉位、旋律微妙差別；然后拆解它的節奏型、音區，再小心翼翼地避開原曲里那些標志性的“防偽細節”，真要抄得像又不被告，費神、費時，性價比遠不如原創。

這一點，其實和“仙俠音樂教父”麥振鴻談及AI音樂時的觀點很像。他曾直言，自己做仙俠配樂根本無法用AI替代，甚至用AI創作，反倒比親手譜曲還要慢上數倍。

其實，普通聽眾大可不必糾結于法律層面的抄襲界定，樂理分析、實質性相似判定、接觸可能性舉證等本就是專業范疇。如果僅憑空耳鑒抄，本來就是很扯淡的事，只會誤傷真正的原創音樂人。

當然，在洗歌抄襲泛濫的大環境下，我們并非否認鑒抄的意義，但一味地空耳鑒抄，甚至將其異化為一門流量生意，也就跟鑒抄的本心南轅北轍了。

放眼全球樂壇的無數經典作品，或多或少都能看到前輩音樂的影子，但他們本質上都是在共性框架里注入獨屬于自己的表達，最終形成無可替代的個人標識。

比如李榮浩早期作品中有約翰梅爾的影子，林俊杰早年寫歌、唱歌多少會模仿偶像伍思凱、邁克爾·杰克遜，甚至紅辣椒樂隊的經典歌曲《Californication》在創作時也借鑒了The Cure的《Carnage Visors》。但這類原創，是站在行業積淀之上的創新，有態度、有審美、有屬于創作者本人的靈魂。

反過來，真正的劣質產品或“音樂裁縫”，恰恰最經不起這種檢驗，也是最該被大眾甄別的。

比如，今年在《有歌2026》飽受爭議的馬健濤，不管是《攙扶》借鑒《小李飛刀》前奏，《放手2024》與《我只在乎你》旋律雷同等，以及《我心所愿》與伍佰《再度重相逢》的“換湯不換藥”，大多數是把原有旋律、節奏型做了簡化處理，暴露了其創作積累和基本功不足的弱點，就算拋開詞和立意，旋律創作方面也沒有任何有價值的升華。

再看宋孟君，《一厘米的距離》與《夜曲》在副歌和聲、旋律走向、配器、編曲高度一致，甚至可以稱為像素級洗歌，都是完全剝離音樂的藝術價值，只追求商業流量。

無論是馬還是宋，其創作都缺乏穩定的創作內核，作品間也缺乏風格連貫性。幾千首作品中，也找不到統一的創作軌跡，始終在模仿與拼湊中徘徊，很多歌曲都是在現成的旋律骨架上，扒下一層廉價的皮，拼湊出以取巧、偷懶為底色流量商品。

一句話，空耳鑒抄，容易錯殺，也容易放過。這種洗歌抄襲之流，才是華語樂壇的頑疾。

結語

回到周杰倫這場風波本身，照見的并不只是一次針對個體的爭議，更是整個內容生態里一種越來越危險的傾向。

人們開始迷信碎片化的“像”，卻越來越忽視作品整體的表達；越來越熱衷于制造“塌房”的快感，卻越來越缺乏對創作規律最起碼的敬畏。

“抄襲”二字，承載著嚴肅的法律定義與沉甸甸的職業批判，藏著對音樂人職業生涯最致命的否定，分量太重。

當唯流量的“空耳鑒抄”開始污名化周杰倫時，它傷害的不僅僅只有定義了一個時代的周杰倫，更是在不斷稀釋“創作”這一概念本身的邊界與重量。