北京
盧志榮首次個人繪畫展“象罔之境”正在798藝術區共同藝術中心展出。不同于以往他在建筑與空間設計上尊重材料自身質感的安靜與內斂，在繪畫的二維世界中，豐沛情緒、人生感悟、中外哲學思想、志怪故事等均成為滋養他創作的土壤，想象化作自由揮灑的色彩。
盧志榮
THE ARTIST
在中國香港長大，于1988年以最佳論文獎取得哈佛大學建筑系碩士學位，他曾任教于紐約錫拉丘茲大學，曾經是德國斯圖加特的索利突藝術學院的成員，是2015年“世界杰出華人設計師”得獎人，同時，他也是DIMENSIONE CHI WING LO Italia及1ness「一方」品牌的創始人。盧志榮的豐富創作涵蓋了建筑、雕塑、室內與家具設計等領域，一直以對理念的凈化、詩意的詮釋、細節的關注，備受意大利及國際設計界推崇。如今，作為藝術家，他在北京798藝術區內的共同藝術中心舉辦了首次繪畫個展。
共同藝術中心展覽現場。
印象中，盧志榮的創作是收斂而沉靜的。此前，不論是他設計的建筑、空間，還是創作器物與雕塑，都追尋一種靜簡之道和天然肌理，色調克制，氣韻疏淡，鮮見濃烈色彩。所以聽聞他在北京舉辦首次繪畫個展，不禁令人猜想：理應也是一脈相承的東方詩意，以素色空靈氣質呈現吧。
圖1：共同藝術中心展覽現場。
圖2：畫作《利維坦》細節。
走進共同藝術中心的展廳，眼前卻是另一番景象：明亮的藍、柔和的紅、輕盈的綠、雅致的紫，層次豐盈，明艷卻不刺眼，鮮活又有呼吸感。有趣的是，他亦沒有肆意潑灑這些色彩，它們被安放在舒服的視覺秩序里，令人辨認得出創作者的建筑設計背景，以及他對于比例與結構的深厚把控和審美標準。
共同藝術中心展覽現場。
聽我們談起對于畫作色彩反差的第一印象，盧志榮笑說自己也感觸頗深：“繪畫幫我打開了色彩的新世界！我這輩子從來沒在設計中用過藍色，但在繪畫里，我突然愛上了藍色。”
在過往的建筑與空間設計中，他極少使用額外的顏色，大多依賴材料本身的質感，讓空間成為安靜的背景。但在畫布上，他擁有了“難以置信的色彩自由”。他感嘆，繪畫讓他變得更開放。他甚至開始認真研究每一種顏色的微觀小世界，忽然發現，“顏色能創造出如此豐富的情緒”。“在空間里，綠色就是綠色，”他說，“但在二維的畫作中，顏色不僅起到對比作用，還要傳遞出快樂、陰郁或悲傷等情緒。”對他而言，色彩不是附屬的點綴，也是情緒的語言。這份源于提筆繪畫的色彩偶得，對他來說，“是人生中一個很棒的體驗。”
圖1：共同藝術中心展覽現場。
圖2：畫作《水澤仙女的居所》細節。
展覽的名字叫 “象罔之境”，出自《莊子》。在盧志榮的理解里，《莊子》里的故事核心是 “忘掉知識、忘掉分類、忘掉這個世界的既定結構，去體驗那些不需要太多刻意努力就能感受到的東西”。而他在繪畫中另一重要的靈感來源，是博爾赫斯的《想象的生物》。在他看來，這本書里所寫的，都是那些源于想象、文獻與傳說，卻從未被真實看見的存在。
共同藝術中心展覽現場。
墻上兩幅分別為：
《見血封喉樹》，160×160mm，布面綜合材料，2025；
《勒拿九頭蛇》，160×160mm，布面綜合材料，2026。
“我覺得這兩本書都在探討一種未被分類的、被我們遺忘的、甚至被認為不存在的事物。” 他說，“我們生活在一個數字化的世界里，一切都被分類。如果你不在某個分類里，就好像你不存在一樣。” 但在他的理解中，“知識不僅僅是已經分類的東西，還包括那些我們尚未分類、無法分類的事物，而這正是想象力可以生根發芽的廣闊土壤”。
共同藝術中心展覽現場。
很多人會好奇，他有著國際化的背景，創作兼具西方的理性與東方的意境，到底哪一種哲學觀對他影響更深。他的回答很坦然：“我不認為我必須遵循某一種特定的哲學方向。關鍵不是逃避，而是找到一種平衡。”“不固執己見，像太極一樣，當一股力量向你襲來，你不是對抗它，而是化解它的力量，這樣你就能成為一個更完整的人去應對一切。”
共同藝術中心展覽現場。
前景畫作為《沙羅曼達》，860×160mm，布面綜合材料，2025。
他形容自己像一座小橋。“我生活在一個小世界里，但這座橋總能帶我走向更廣闊的世界”。在他看來，自己可以一邊處理地面排氣裝置、計算格柵風量這些極度理性的問題，一邊描繪那些你甚至無法分辨是動物、植物還是礦物的未知存在。
共同藝術中心展覽現場。
作為一位長期鉆研建筑與設計實踐的創作者，盧志榮的畫帶有一種嚴謹的秩序感，但他沒有刻意回避，也沒有被“設計”束縛。“我一開始就很清楚自己要做什么，”他說，“但當我把畫筆放在紙上時，筆尖流淌出的是我的想法，它開始向未知的領域探索，我會讓它自然發展。”
他不會規定自己“必須這樣畫、必須那樣畫”。每天回到畫作前，想法都會變化。“大部分作品，都是日復一日慢慢發展而來的。”對他來說，繪畫不像設計那樣按計劃執行，把圖紙變成現實，而更像是一個不斷轉變想法，處理各種偶發靈感的過程，更多的是順其自然、自由流淌。
墻上掛的兩幅畫分別為：
《希爾芙》，720×870mm，布面綜合材料，2026；
《飛翔的荷蘭人》，720×870mm，布面綜合材料，2026。
他尤其懂得“停止”的分寸。“什么時候停止創作，總是一個很難的問題。有時候我停止，是因為我覺得畫作點到為止就好，不必給出明確的答案。留有懸念很重要，給觀者留下想象的空間。畫完之后，我就不再擁有這幅畫了，我也成了一名觀者。”
盧志榮在展覽現場親自貼展簽。
從建筑到設計，盧志榮一向親力親為，繪畫也不例外。“比起親力親為，我沒有更好的方法，”他笑著說。剛畢業時他曾雇過助手，但想法一直在演變，助手只能按照最初的指令執行，效果不盡如人意。“設計是一個持續演變的過程，不能中途打斷讓別人接手，所以我從構思到完成每一步都自己來。”繪畫的全過程同樣繁瑣：從挑選畫布、選擇厚度、測試媒介，到把作品從歐洲帶回中國，自己動手拉伸、裝裱畫框，再到包裝、運輸、展廳懸掛、光線搭配……所有環節，他都親自參與，但也樂在其中。
共同藝術中心展覽現場。
盡管游走在建筑、設計與藝術范疇的多重領域，盧志榮從不認為自己跨界，因為他心中原本就沒有所謂“界限”的存在。盧志榮說得很直白：“繪畫可能比雕塑更自由，因為繪畫可以完全自給自足。雕塑需要技巧、需要助手，很難獨自完成。建筑和室內設計就更難，有甲方，要溝通、要功能、要預算。”
盧志榮在展覽現場翻閱展覽畫冊。
“我不認為存在那種必須跨越的界限。當然繪畫和建筑有不同的評判標準，但我心里沒有那種界限。”在他的設計里，一直有藝術性的探索，而在繪畫里探索的詩意與想象，又會反過來影響那些理性、功能性的工作，讓它們不再枯燥。
墻上掛的兩幅畫分別為：
《維吉爾的蜂蜜》，660×210mm，布面綜合材料，2025；
《亡靈吞噬者》，660×210mm，布面綜合材料，2025。
如今，他的生活節奏跟著太陽走。“有陽光的時候我就畫畫，因為自然光非常重要，必須尊重自然光，它能讓顏色準確地表達我想要的效果。天黑之后，我就開始做建筑設計的繪圖工作。” 這種平衡，對他來說是最快樂的時刻。”
畫作《亡靈吞噬者》細節。
他說，繪畫為他打開了一扇新的大門，這個展覽不僅僅是30幅作品，更反映了他當下的心境。談到年齡和創作狀態，盧志榮說了一句很實在的話：“我快72歲了，還能有這樣的動力去做這樣的事情，我感到非常開心。”他也越來越相信，很多事情不必強求。“時機到來時，一切都是自然而然的。那些最好的時刻，往往是自己走向你的。”
盧志榮：象罔之境
展期：2026 年 4 月 4 日 – 2026 年 5 月 12 日
地址：北京市朝陽區酒仙橋2號路798藝術區 共同藝術中心
編輯 | 秦震
圖｜賈睿
文｜余雯婷
設計｜LULU
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