北京
最近，一尊在西安華清池靜靜站立了35年的白玉雕像，突然被網友指責“有傷風化”。
兩派聲音的激烈交鋒把這座半裸出浴的楊貴妃雕塑推上了風口浪尖。
貴妃出浴的裸體雕像，吵翻了？
有游客發視頻稱，華清池“貴妃出浴”雕像因袒露上半身顯得不雅觀，甚至可能敗壞社會風氣。
視頻中，白玉制成的楊貴妃半身雕像在溫泉霧氣中若隱若現。
相關部門也及時回應，這尊雕像于1991年正式安放于景區，由我國著名雕塑家潘鶴教授創作，設計方案當年已通過地方政府文化機構審核。
工作人員指出，從漢代的壁畫、碑刻、銅鏡到敦煌莫高窟的文物，都有裸體形象存在，這些是特定歷史時期的文化體現。
“貴妃出浴”出自著名雕塑家潘鶴之手，創作靈感來源于白居易《長恨歌》中“溫泉水滑洗凝脂”的經典詩句。
一方面，有網友認為這尊雕像褻瀆歷史人物、甚至將與雕像合影時的不文明行為也歸咎于雕像本身。
他們主張不符合中式含蓄審美，認為這種藝術表達會對未成年人造成不良影響。
另一方面，大量網友則持相反觀點。認為這種批評是小題大做，藝術裸露和色情低俗之間是有明確區分標準的。
這尊雕塑的豐腴體態恰好契合了唐代肌理細膩骨肉勻的審美追求。
這到底是藝術，還是網友們在“找茬”？
裸像，藝術還是糟粕？
女性曾是歐洲裸體油畫中主要的、反復出現的主題。
最早的傳統裸體，是描繪亞當和夏娃偷吃禁果后的情景。這個題材最初重在描繪男人的上帝代言人角色，以及女人的臣服地位。
到了文藝復興時變為對羞愧的描述；再后來，羞愧變成了炫耀。
飛天第172窟龕頂南側 盛唐
嚴格意義上講，裸體和裸像是兩回事。
肯尼斯·克拉克在其《裸像》一書中認為，裸體只是脫光衣服，裸像則是一種藝術形式。
裸像該不該出現在公共場合，這件事背后還有更深一層的隱憂——“性的邊界”，我們究竟應該如何把握這個尺度？
天人 第321窟龕頂南側初唐
關于這個問題，12年前的央視曾遲疑過。
2012年7月9日，《佛羅倫薩與文藝復興：名家名作展》亮相國家博物館，央視在播出這則新聞的時候，對米開朗基羅的“大衛·阿波羅”的隱私部位做了馬賽克處理。
一時間輿論嘩然，網友們意見紛紛。有意思的是，在三個小時之后，當央視再重播這段新聞的時候，馬賽克沒了…
那我們十年后再回頭看這件事，應該如何理解央視的這個妥協呢？
這類現象不再是藝術還是色情的問題，而是“社會對性”的問題。
也就是說，一件藝術品放在公共場景傳播，面對參差不齊的受眾群體，應該充分考慮受眾的差異性和觀眾的視覺感受，而不能單純因為藝術，而忽略觀眾的觀感。
飛天 第321窟龕頂南側 初唐
藝術品可以盡情展示，可以從不同的角度解讀，但是藝術作品更多地應當在藝術館、博物館中展示，在特定的環境中品味。當出現在公共場所，還是要注意社會效果，盡可能減少對觀眾視覺上的刺激。
但也需要注意，我們或許能夠讓電視熒幕上鋪滿馬賽克，讓社會杜絕對“性”與“愛”的討論，但我們永遠無法杜絕罪惡的欲念。
比起藝術，或許我們更應該關注“性騷擾”“軟色情”“擦邊球”這種危害性更大的產物。
說法圖第249窟西魏
如果說一切會被聯想到“性”與“欲望”的事物都需要被隱藏、被遮蓋、被覆蓋和忽略，那么人類需要羞恥的地方，將不僅僅是飛天壁畫這么簡單。
裸體畫到底在表達什么？
裸體女性畫是藝術界的爆款密碼，從文藝復興的圣母到當代的叛逆肉體，裸體女性形象被反復塑造，但背后的意圖卻天差地別。
在藝術史的大部分時間里，男性畫家主導著裸體女性的敘事權。
他們對女性裸體的描繪，長期根植于西方藝術的理想化傳統。
比如在文藝復興時期，波提切利《維納斯的誕生》將女性身體奉為美與神性的載體，這種完美比例+圣潔氣質的范式延續了數百年。
到了現代主義時期，馬蒂斯在《舞蹈》中徹底顛覆了這種靜態美。
他用粗獷的線條和熱烈的紅色，讓裸體女性成為生命力的載體。
五個舞者手拉手圍成圓圈，肢體的扭曲與伸展打破了傳統裸體畫的優雅范式，仿佛在原始的狂歡中完成對生命本質的叩問。
這種對身體能量的釋放，暗合了當時人類對自由與解放的集體渴望。
畢加索的《亞威農少女》則走向另一個極端。
畢加索受到塞尚結構觀念的啟示，并結合非洲原始藝術中所獲得的靈感，采用了一種新形式在二維平面上表現三維空間，簡練的線條重新塑造空間，突破了傳統繪畫。
畢加索的本意是為了將放縱的欲望與死亡鏈接在一起，以警示那些縱欲的人們。
女性藝術家的裸體畫則往往帶有強烈的自傳性。
弗里達·卡羅在《森林中的兩個裸體（地球本身）》里，將自己描繪成兩個獨立的人物，在郁郁蔥蔥的綠色森林背景下，赤身裸體又交織在一起，暗示了卡羅自身身份的二元性，以及她性格中相互沖突的方面。
呈現社會議題、反男凝等也都是女性藝術家想表達的主要內容。
咱們前文提到的《一月小姐》《Propped》等都屬于這一類型。
男性畫家通過理想化或解構化的身體，探索人性與文明的邊界。
女性藝術家則以身體為畫布，書寫個體與社會的抗爭。
但或許裸體畫的終極意義，從來不局限于性別視角，而是人類借由肉體的表象，對生命本質進行的持續追問。
就像海德格爾追問“存在”的意義需要通過“此在”的分析，藝術史上每一幅裸體畫作，都是人類文明在不同時代對“何以為人”的視覺化應答。
畫布上的每一道筆觸都在重構著“身體”的哲學定義——它既是被凝視的客體，更是主體意識的延伸；既是物質性的存在，也是精神世界的載體。
當我們凝視這些穿越時空的軀體，看見的不僅是技法的變遷或觀念的更迭，更是人類試圖在有限的肉體存在中，尋找無限精神超越的永恒努力。
這，或許就是藝術留給世界最動人的寓言。
參考資料：
1.榮新江：《敦煌學十八講》，北京大學出版社，2001年8月版
2.史葦湘：《敦煌歷史與莫高窟藝術研究》，甘肅教育出版社，2002年12月版
3.樊錦詩 趙聲良：《燦爛敦煌》，浙江文藝出版社，2023年月版
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