香港巴塞爾開幕，我們請畫廊自己人先劇透！

每年三月，香港巴塞爾藝術展如期而至，整座城市也隨之進入一年中最熱鬧的藝術時刻。作為Art Basel在亞洲的重要一站，這里匯集了來自全球的頂級畫廊與藝術家，這也是觀察當代藝術創作與市場動向的一扇窗口。

在數百家畫廊與上千件作品之間，我們提前請到了畫廊高層來親自推薦本次最值得期待和駐足欣賞的藝術家和作品，帶你提前鎖定展位，梳理出一條更清晰的看展路徑。除此之外，在熱鬧的香港藝術月，城市各處的動向同樣精彩，我們由此延伸出另一條不容錯過的藝術路線。

這次白立方在巴塞爾藝術展香港展會的展位中，非常值得關注的是來自莫娜·哈透姆（Mona Hatoum）的作品，她剛剛榮獲2026年漢堡車站美術館終身成就獎。此次我們帶來的是一件2024年的作品，《Still Life (medical cabinet) IV》，也是藝術家持續創作的一個系列，各式各樣的手榴彈形態以手工吹制玻璃重現，被呈現于醫用柜中，猶如珍貴的物品，也帶著不安的隱喻。去年，白立方首爾空間也舉辦了這位藝術家的個展，她出生于黎巴嫩的一個巴勒斯坦家庭，作品常常兼具詩意和時代隱喻，是一位非常重要的藝術家。她曾經在2015年榮獲廣島藝術獎，這個獎項是為了表彰在美術領域為人類和平做出最大貢獻的藝術家。她也曾在2019年獲得31屆高松宮殿下紀念世界文化獎之雕塑獎。目前，莫娜·哈透姆的展覽正在米蘭普拉達基金會（Fondazione Prada）舉辦。

徐梯善 (Tishan Hsu) 的《屏膚：袒露 (單聯3)》(skin-screen: revealed (single 3)，2026)，入選巴塞爾藝術展官方推薦的值得期待的12件作品之一。通過強調肉身與虛擬之間日漸模糊的界線，徐梯善詰問人類與新興技術的關系，以及這種關系如何重塑我們的所思所想，重新描畫我們的心智與身份認同。這件如同電子屏幕的作品似乎為所描繪的內在器官開了一扇門，讓它們從物理世界延伸至數字領域。

安永正臣 (Masaomi Yasunaga) 在“藝聚空間”展區展出的全新器皿雕塑不容錯過。以“某種軌跡”(A Certain Trajectory) 為題，此項目圍繞“時間”的概念展開——一種超越個體生命和經驗的尺度，并揭示安永正臣創作的根本特征，即一種持續演進的過渡狀態，不受限于特定的時空坐標；同時突出體現藝術家選擇將釉彩這一傳統裝飾性材料，作為主要媒介的獨特實踐。

這是貝浩登畫廊在亞洲開始代理該藝術家后的首次重要呈現，在展位特別為他設置了一個獨立單元。這件作品以他標志性的“游樂場結構”為核心，游樂設施被置于一個封閉、幾何精確的盒狀空間中，由上方天窗投下冷靜而戲劇化的光線。畫面高度飽和卻異常安靜，沒有人物，處處指向“人”的缺席。熟悉的童年裝置被轉化為一種心理空間：既是記憶的容器，也是某種被抽空后的存在狀態，創造了介于懷舊與不安之間的情緒張力。

菲利普·帕雷諾（Philippe Parreno）藝術實踐的核心在于尋求一種超越語言的溝通形式。他的創作綜合多種媒介，模糊了現實與虛構的界限，探索著當下與想象相互交織的空間，挑戰著觀者對時間、記憶與現實的認知。

塔拉·瑪達尼（Tala Madani）是當今最重要的畫家之一。她質疑我們習以為常的事物，將觀者從日常舒適區中拉出來。其作品通過一種怪誕、幽默又犀利的視覺語言，挑戰著性別、權力的常規表征。瑪達尼的創作中反復出現著“糟糕母親”（Shit Mom）這一形象，以此挑戰社會對女性抱有的超高期望。

《傾身，搖曳，化作塵沙》是羅克薩娜?皮魯曼德2025年的創作，以陶瓷、線、織物與馬達為創作材質，是藝術家對材料及物質轉化探索的重要延伸。這件動態裝置作品延續了藝術家的核心創作脈絡，將個人經歷融入裝置系統，借由作品的動態表現，以及藝術家、作品與觀眾之間的互動，詮釋出關于轉化、衰敗與運動的可能性的藝術思考。

梁紹基自1980年代末開始進行養蠶藝術實驗。三十余年來，他持續以蠶的生命歷程為媒介、以與自然互動為特征，展開以時間、生命為核心的“自然系列”創作。作品充滿冥想、哲思和詩性，呈現出一種虛透絲跡的內美。在這件作品中，從古窯遺址挖掘出的青花瓷片被帶入創作，匣缽殘片多有粘連成串，猶如蠶蟲蠕動。梁紹基將其鑲嵌于彌漫絲跡的透明耐力板上，在絲與光的對話中展開對浩瀚宇宙的想象。作為人造石的瓷片如星際巨石，在神秘的夜空中穿流、閃耀。絲、瓷、光、影彼此交輝，在勾勒宇宙星系的同時，也呈現出東方文化自然觀的無限性。

周力的創作以綜合媒介繪畫與裝置為主，在不斷突破材料邊界的同時，始終延續著以自然思想為基礎的美學脈絡。她的作品既有浪漫主義的自由想象，也融入了中國古典山水的秀麗與剛勁，在拓展當代美學疆域的過程中，呈現出深厚的人文關懷。那些看似不經意浮現的靈動細節，也正由此生長出來。

《生命軌跡》（Life Chapters）是安達人壽香港推出的沉浸式特定場域裝置藝術，由曼谷知名藝術家Wit Pimkanchanapong創作。作品以迷宮為核心形態，融合物件、聲音、語句等多元線索打造出多變的沉浸式空間，用迷宮具象詮釋出人生的非線性質感與未知可能性。觀者穿行其中，會不自覺地反思自身的人生路徑，而作品因“觀眾參與即創作”的特質，讓每一次穿越都為其疊加新意義，最終呈現出獨屬于每位參與者的“傳承”圖景。

“李昢：一九九八年至今的創作”是由香港M+與韓國首爾Leeum美術館聯合主辦的藝術家回顧展，本次M+展出的版本匯集了200多件來自李昢工作室、亞洲各地機構及私人收藏的作品，涵蓋藝術家1990年代末至2000年代初的早期創作實踐與2024年新作。展覽分為“烏托邦夢想之境”“身體與科技”“走進藝術家的創作天地”三個部分，全方位展現李昢的跨媒介藝術實踐，追溯其自1990年代末至今的關鍵創作發展，探討身體與社會、人類與科技、自然與文明的演變關系等核心議題，也讓觀眾得以窺見藝術家的創作思維與實踐過程。

Simon Liu延續其對紀錄片實踐的顛覆性探索，帶來為本次展覽特別創作的全新影像裝置作品。在展廳全開放的明亮空間中，透過展陳設計人為制造出近似黑盒的沉浸場域，使快速、躁動而夢境化的城市影像在暗室中流動，與窗外平靜、日常的景觀形成強烈的感官對比。Simon Liu以其特有的跨文化視野重新定位觀看香港的方式，在精神性表層與里層的拉鋸中，揭示出都市景觀下那份似有而無的幽微聯系。

這是一件沉浸式多頻道電影裝置作品，以分裂、重復與時間錯位作為感知的核心結構原則。Simon Liu同時挑戰16mm膠片攝影機、暗房與數碼影片的極限，將香港拍攝的素材碎片化、重組，并將相關卻錯位的片段分布于平行影像。透過系統性的剪切、鏡像與延遲，影像呈現雙重、部分同步或輕微錯位的狀態。這件裝置營造出一種環境，讓記憶、依戀與感知被體驗為不穩定卻持續的狀態——在光影、顆粒與回聲的變動場域中維持張力。延續其抽象日記電影與沉浸式裝置的創作脈絡，藝術家以中斷、回響與延遲作為結構元素，塑造影像保持親近卻不融合的環境，暗示記憶即使移位與消散，仍保有持久的存在。最終呈現的沉浸視覺場域，將影像之間充滿張力的間隙，轉化為沉思與感知發現的空間。

香港JW萬豪酒店與雕塑家Richard X. Zawitz展開標志性合作，將酒店34樓翻新為“Infinity客房樓層”，讓賓客在旅程中沉浸式感受靈動的藝術魅力。這位享譽國際的雕塑家以標志性雕塑系列聞名，其獨創的“曲線主義”風格以雋永流動的形態，將道與禪的哲思融入藝術創作。此次合作的展品中，立于酒店大堂的Infinity雕塑作為無限系列的開篇之作，守候著賓客光臨，縈繞的正面能量凝聚了藝術家對世界和平的美好愿景，而34樓Infinity客房樓層特別陳設的無限孩童雕塑，則優雅演繹了他堅信的每個人、尤其是孩童與生俱來的無窮潛能與創造力。

Ross Bleckner曾是在古根海姆博物館舉辦回顧展的最年輕藝術家，至今仍是極具生命力的重要藝術家。他筆下反復出現的花朵，既關乎記憶，也關乎肉身、脆弱與失落；而他對1980年代的深刻回應，也讓這些作品在今天看來仍有很強的現實共鳴。

策劃 / 悅游編輯部

編輯 / 劉莊

撰文 / Leo

編輯助理 / 禾子

圖片由各畫廊、藝術家提供

版式設計 / CNT ARTROOM