單依純的尷尬不在于翻唱，而是無歌可唱

今天凌晨，單依純再次發文道歉，大概意思就是老師我錯了，我賠償，我再也不唱《李白》了。

被單依純粉絲搞得身心俱疲的李榮浩也回了一段話，大概意思是就這樣吧，洗洗睡吧。

這件事基本上也就告一段落了。

在單依純的兩次道歉中，她始終堅持一件事，就是不知道自己未獲授權。

但如果她知道未獲授權，會不會堅持翻唱《李白》呢？我覺得大概率會。因為畢竟這首歌讓她火出了圈，而且不唱這首歌她又能唱什么呢？

這才是單依純最尷尬的地方，不翻唱歌曲，她可能就無歌可唱。

當一個擁有頂級唱功的年輕歌手，開演唱會卻要靠翻唱來撐場面，這不是她個人的失敗，而是整個華語樂壇“原創荒”的一個縮影。

翻唱本身并不是原罪。很多天王天后都翻唱過別人的作品，但那是在他們擁有足夠多的個人代表作之后。

伍佰一開演唱會，就組織歌迷合唱陳淑樺的《夢醒時分》，騰格爾更是把翻唱搞成了“二創”，創飛所有原唱。但對于這二位來講，翻唱誰的歌都算是給誰張臉了。

可到了單依純這里，翻唱卻成了“雪中送炭”。她不是不想唱自己的歌，而是自己的歌，聽眾不熟。

演唱會是要賣票的，如果唱一堆沒人聽過的原唱歌曲，觀眾會覺得不值；但如果翻唱那些耳熟能詳的經典，至少能保證現場氣氛。

于是我們看到了一個荒誕的畫面：一個擁有天籟之音的年輕歌手，卻不得不在自己的演唱會上，把別人的歌當成主打曲。

這就引出了一個更大的問題：單依純這樣的歌手，為什么沒有屬于自己的代表作？

答案其實很簡單——這個時代，已經沒有那個能夠批量生產經典歌曲的唱片工業體系了。

回想上世紀90年代到新世紀初，那是華語樂壇的黃金時代。

那英、王菲、張惠妹、孫燕姿、梁靜茹……她們大多也不是創作型歌手，但這并不妨礙她們擁有大量的代表作。

因為那時候的唱片公司，有著成熟的創作人體系：李宗盛、林夕、姚謙、小蟲、袁惟仁……這些頂級詞曲作者，像是一個龐大的“歌曲供應商”，源源不斷地為歌手提供優質作品。

那時候的唱片工業，是一個完整的生態系統。創作人寫歌，制作人打磨，歌手演唱，公司推廣，電臺打榜，電視臺播放MV，音像店售賣專輯。

每一環都緊密相扣，每一個環節都有專業的人在做。一首歌從誕生到走紅，是有路徑可循的。

但這個系統，在互聯網的沖擊下，已經支離破碎了。

現在還有多少歌手會認認真真做一張專輯？還有多少唱片公司愿意花大價錢請頂級創作人為歌手量身打造歌曲？

貌似只有周杰倫仗著原創功力，頂著歌迷罵聲還在吭哧吭哧的發專輯，拍MV……MV啊，多么古老的名詞。

如今數字音樂平臺的播放量成了唯一的衡量標準，短視頻的15秒決定了歌曲的生死。在這樣的環境下，不是沒有好歌，而是好歌很難被聽見。

更要命的是，現在的音樂生態，對“純歌手”越來越不友好。

在過去，歌手和創作人分工明確。歌手負責唱，創作人負責寫，各司其職，各展所長。

但現在，唱作人成了主流，會寫歌的歌手更容易出頭。那些只會唱不會寫的“純歌手”，反而成了弱勢群體——因為沒有人給他們寫歌了。

這不是說現在的創作人不如從前，而是創作人和歌手之間的連接斷了。以前的創作人隸屬于唱片公司，公司給歌手收歌，創作人有明確的創作對象。

過去，為我們挑選歌手和歌曲的是專業制作人，比如羅大佑、李宗盛，再比如高曉松、張亞東，他們用自己的審美塑造了我們的審美。

如今，音樂審美的邏輯變了。互聯網去中心化讓所有人都成為了評委。結果我們就只能聽到抖音神曲。這并不是因為聽眾的品位變差了。聽眾的品位從來就沒好過，只不過以前沒機會表達自己。

那個時候我們痛恨權威，他們定義了我們應該看什么、聽什么、讀什么，吃什么……我們無法表達自己的意見。可如今，權威們失去了霸權，而我們也失去了審美。

單依純憑借《李白》出圈，并非來自演唱本身，而是來自她畫蛇添足的改編和詭異的臺風，剛好迎合人們的獵奇心理。

于是我們就看到了一個奇怪的現象：每年那么多音樂選秀節目，誕生了一堆冠軍，可這些冠軍后來大多數都銷聲匿跡了。不是他們唱得不好，而是沒有作品支撐。

單依純已經是這批選秀歌手中發展得最好的一個了，她至少還有幾首翻唱出圈的作品，至少還有人記得她。但即便如此，她依然面臨著“無歌可唱”的窘境。

當然，我們不能把所有希望都寄托在“回到過去”上。唱片工業的黃金時代已經一去不復返了，互聯網時代的音樂產業，需要找到新的生存方式。

也許未來的“代表作”，不再是傳統意義上的專輯主打歌，而是更適合短視頻傳播的片段式音樂。

也許未來的歌手，不再依賴公司收歌，而是自己參與創作，或者與獨立音樂人深度合作。

也許未來的演唱會，不再以“唱自己的歌”為標準，而是以“提供好的現場體驗”為目標。當然前提是你要搞定版權。

但有一點是確定的：如果華語樂壇不能解決“有歌手無歌曲”的問題，那么單依純的尷尬，就不會是個例，而會成為一代年輕歌手的集體困境。

而這個所謂的華語樂壇，基本上也就淪落為大型懷舊現場了。